Editorial

Maria Helena Serôdio

April is the cruelest month, breeding
Lilacs out of the dead land, mixing
Memory and desire.

T.S.Eliot, The Waste Land (‘The Burial of the Dead’)

Upon renewing our presence on the website with a second issue of Critical Stages―and differently from Eliot―we can only be happy with the coming of April since it also brings with it the evidence that the International Association of Theatre Critics is able to pursue one of its main goals: to highlight the need (and the importance) of critics and criticism in the field of theatre. But this claim is not to be held as a vain conceit: it only means that we assume this as a challenge and a responsibility, so that we shall do our best not to disappoint artists, readers and theatre audiences alike.

In professing this idea in the second issue of our journal, we also try to show how varied is (or should be) the approach to theatre. That is one of the reasons why we engage in dialogue with both playwrights (Athol Fugard and Gianina Carbunariu) and theatre practitioners (set-designer Dragos Buhagia, and theatre directors: Jin-Chaek Sohn, David Zinder and Stan Lai / Sheng-Chuan). And either framing the dialogue in a more formatted way or using a specific moment of their careers to hear their opinions, it is always a way of assembling “views” and “voices” of those who create art for the stage and make them readable by all those who visit us at this site.

Other ways of approaching theatre allow for elaborating on theatre criticism as Yun-Cheol Kim, Don Rubin, Temple Hauptfleisch and Mark Brown do in the section dedicated to “critics on criticism,” thus recalling proposals the first two presented at a Colloquium held last January in Vallabh Vidyanagar (India) where that subject was discussed.

Three other critical perspectives can also be identified in our approaches to theatre. One is reviewing current performances (as well as of books recently released), and we can boast of having reviews of performances created by artists coming from Canada, Finland, Iran, South Africa, France, Latvia, Romania, Israel and Germany, among others. And among the reviewers, we are happy to count on former President of the IATC―Georges Banu―with two major articles, as well as a ‘lesson’ on performance analysis Patrice Pavis uses to approach a dance performance.

The second perspective is based on theatre research, looking for either artistic identities (be they Creole theatre, the condition of Immigrants in the Portuguese theatre, or Purcărete’s artistic output) or spotting painful memories in plays and performances.

The third perspective we adopt here has to do with examining theatrical legacies: both Jean Genet’s theatre (being revived in a festival held in Korea―in March and April of this year―to commemorate the centenary of his birth) and Brazilian director Augusto Boal. In this latter case, we are proud to include a file with articles by leading researchers and artists of Brazil who have known, studied and worked with Boal, together with a portfolio of photos that show some of the many riches of the newly formed “Augusto Boal Archive” at the Federal University of Rio de Janeiro (UNIRIO).

On the eve of granting the Thalia Prize to Richard Schechner in our forthcoming Congress in Yerevan (Armenia) to be held next June, we recall here the critic and essayist Jean-Pierre Sarrazac who received that same Prize in Sofia, two years ago, “for having influenced critical thinking about the art of theatre.” The speech he read in Sofia, as well as the “questionnaire” Randy Gener used to make his views more known to our readers form another section of this issue of Critical Stages. In the photos that are shown here we can see the emblem of the prize specially commissioned from the distinguished Romanian stage and artist-designer Dragos Buhagiar: a cane with a silver top, representing Thalia, the Greek muse of comedy.

My most sincere thanks go to all those who so generously contributed with their writings to this issue, thus sharing with us their knowledge and enthusiasm. And that is also extended to all the members of our Editorial Board who engaged with so many duties and concerns in order to have it all ready to release the issue in due time. It is, however, an immense joy to see how all those efforts come together in this issue, and how it proves that it is still possible―no matter how different we are in our ideas, sensibilities and ways of writing―to have a collective voice as theatre critics.

A last word of acknowledgement should be said in order to thank Yu-Jin Kim for Editorial Assistance, Myoung-Jae "Andrew" Yim for the Web design, and IATC President Yun-Cheol Kim who called into existence this journal and relied on me for its edition.

I could perhaps resume Eliot’s words of the epigraph quoted above not only to underline the singular metaphor of “lilacs” for the “pieces” that make up this issue (although not “out of the dead land,” rather the opposite living theatre …), but also for the “mixing of memory and desire” that is, to my mind, one of the main sources of our work as theatre critics.

Éditorial

Maria Helena Serôdio

Il existe d’autres moyens d’aborder le théâtre, notamment en réfléchissant sur l’exercice de la critique comme le font Yun-Cheol Kim, Don Rubin, Temple Hauptfleisch et Mark Brown dans la section consacrée aux « critiques sur la critique », nous rappelant ainsi les exposés que les deux premiers ont livrés à un colloque qui s’est déroulé en janvier à Vallabh Vidyanagar (Inde), où ce sujet a été discuté.

On peut identifier trois autres perspectives critiques dans nos approches du théâtre. La première consiste à rendre compte de spectacles courants et d’ouvrages récemment parus. À cet égard, nous sommes fiers de publier des comptes rendus de spectacles venant entre autres du Canada, de Finlande, d’Iran, d’Afrique du Sud, de France, de Lettonie, de Roumanie, d’Israël et d’Allemagne. Et au nombre des chroniqueurs, nous sommes heureux de compter l’ancien président de l’AICT, Georges Banu, qui publie deux articles importants, ainsi qu’une « leçon » sur l’analyse de la représentation que Patrice Pavis utilise pour traiter d’un spectacle de danse.

La deuxième perspective se fonde sur la recherche théâtrale en matière d’identité artistique (qu’il s’agisse du théâtre créole, de la condition des immigrants dans le théâtre portugais ou de l’œuvre de Purcărete) ou appliquée à des souvenirs douloureux dans des représentations.

En troisième lieu, nous nous attachons à des legs : celui du théâtre de Jean Genet (ranimé dans un festival en Corée pour commémorer le centenaire de sa naissance, en mars et avril de cette année) et celui du metteur en scène brésilien Augusto Boal. Dans ce dernier cas, nous sommes fiers de publier une série d’articles de chercheurs et d’artistes brésiliens ayant étudié et travaillé avec Boal, illustrés de photos témoignant de la richesse des nouvelles « Archives Augusto Boal » à l’Université fédérale de Rio de Janeiro (UNIRIO).

Au moment d’accorder le prix Thalie à Richard Schechner, lors de notre prochain congrès à Erevan (Arménie), en juin 2010, nous revenons au critique et essayiste Jean-Pierre Sarrazac, qui a reçu ce prix à Sofia il y a deux ans, « pour avoir influencé la réflexion critique sur l’art du théâtre ». Le discours qu’il a livré à Sofia, ainsi que le « questionnaire » que Randy Gener utilise pour mieux faire connaître sa pensée à nos lecteurs, constituent une autre section de ce numéro de Scènes critiques/Critical Stages. Dans les photos qui les illustrent, on peut voir l’emblème de ce prix, conçu spécialement par le grand scénographe et sculpteur roumain Dragos Buhagiar : une canne à pommeau d’argent représentant Thalie, la muse grecque de la comédie.

Je tiens à adresser mes remerciements les plus sincères à tous ceux qui ont collaboré généreusement à ce numéro, partageant ainsi avec nous leurs connaissances et leur enthousiasme. Cela s’adresse aussi à tous les membres de notre comité éditorial qui n’ont pas ménagé leurs efforts pour que le numéro soit prêt à temps. C’est cependant pour moi une joie immense de voir réunies toutes ces énergies et de constater qu’il est encore possible – peu importe nos différences de pensée, de sensibilité, de style d’écriture – d’atteindre une voix collective en tant que critiques de théâtre.

Je dois un dernier mot de reconnaissance à Yu Jin Kim pour son assistance éditoriale, à Myoung-Jae « Andrew » Yim pour la conception Web et au président de l’AICT Yun-Cheol Kim, qui a fait naître cette revue et s’est fié à moi pour la concrétiser.

Je pourrais peut-être revenir sur l’épigraphe de Eliot qui paraît au début, en soulignant la singulière métaphore des « lilas » pour les « parties » qui constituent ce numéro (quoique pas sur de « la terre morte », mais au contraire, sur un théâtre vivant…), mais aussi pour ce « mélange de mémoire et de désir » qui m’apparaît comme une des sources principales de notre travail de critiques de théâtre.